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Gustavo Acosta
14/febrero-18/marzo/2012

Duda, es la primera exposición personal en Madrid de una las principales figuras de la plástica cubana de las últimas décadas. Referente fundamental del denominado Nuevo Arte Cubano, Gustavo Acosta ha devenido en maestro de la pintura y el dibujo con tal grado de sagacidad y lujuria en el manejo de ambos lenguaje, que resulta émulo para muchos y rabia solapada para otros. Su obra es todo un homenaje al buen hacer. Articula un discurso que funda sus bases en la elocuencia y el dominio soberano de la materia misma del arte. Todo parece resultar de un espejismo, de una fabulación concertada, de la locura, del accidente de la memoria que se asiste del fragmento delirante o de la erótica que persigue su objeto díscolo; pero no. El ejercicio de Acosta, es casi un ejercicio de epistemología pictórica que reconoce la ductilidad del lenguaje tanto como su virtud de convertirse en desvío retórico y en narrativa.

Duda, está compuesta por grandes lienzos impresionistas y dibujos que rivalizan con el dominio del espejo, probando así la capacidad simuladora del arte y su densidad tropológica.  Las destilaciones del plan urbano, cada vez más abstractas al cabo de los años, presentan un código íntimo que sirve para expresar los recuerdos, la nostalgia y las emociones inherentes en su obra: el aislamiento, la añoranza, la enajenación, el miedo, la esperanza y la fantasía. Los espacios por él creados están cuidadosamente delineados, son totalmente creíbles, pero de alguna manera no son del todo correctos. Los dibuja y los pinta con exactitud de modo que, casi de una manera voyerista, podemos observar desde lo alto las calles y los litorales, como si tuviéramos el poder como espectadores de manipular lo que está sucediendo. Pero no vemos gente. No tenemos ninguna pista. No estamos seguros si es de noche o de día, ni dónde estamos. ¿Nos observamos a nosotros mismos, nuestras vidas y la historia de nuestra existencia? ¿Es éste el espejo que cuestionamos junto con el artista? Él devuelve la cuadrícula a la vida real a través de la pintura y transforma las proezas de ingeniería y arquitectura en el lienzo del artista. Luego imbuye  la cuadrícula de anonimato y con éste, una sensación de fascinación y pérdida.

Sin duda alguna, esa sensación de pérdida tiene mucho que ver con Cuba, su tierra natal, la cual abandonó en 1991 para ir a México, luego a España y finalmente a Miami, donde reside en la actualidad. Cuba es el lugar en sus mapas. Incluso cuando representa otro sitio, Cuba estaba allí en un principio y es desde donde comenzó su travesía para explorar ciudades y mares, reales e imaginados. Pintó a Cuba para capturar y preservar su historia y su recuerdo. Sólo al cabo de muchas, muchas imágenes de la hermosa ciudad, su paisaje y su mar, fue capaz de aventurarse a crear otros sitios, que ahora son importantes en su vida. En estas obras suyas, reconocemos a La Habana y a Miami, así como fragmentos de otras localidades que bien podrían estar en cualquier parte. Elementos emblemáticos podrían asociarlas a ciertos lugares. Sin embargo, el ambiente urbano se vuelve un teatro, un escenario para las relaciones que toman lugar frente a nosotros, sin compartir las intimidades que desearíamos conocer desde lo alto. Las vidas son acertijos, así como el laberinto de la cuadrícula citadina implica apenas ese viaje interior nuestro que es tan difícil comenzar y mucho más difícil completar. Los interiores y los exteriores se fusionan en este complejo drama de la existencia. No sólo la asociación con el teatro en su sentido más amplio, que implica una referencia a los decorados y la escena insinuada, sino las connotaciones teatrales que tienen que ver con el dinamismo del drama y la tragedia, se aplican a esta discusión de la obra de Gustavo Acosta. Debido al punto de vista desde lo alto, así como otras manipulaciones espaciales, el observador parece sobrevolar o existir dentro del campo pictórico, ya sea observando el drama que se desarrolla abajo o dirigiendo al elenco.

No obstante, ¿acaso son estos paisajes urbanos una mera excusa para que un pintor pinte, sin necesidad de todos estos niveles de interpretación ofrecidos por los escritores? Gustavo Acosta realmente disfruta del dibujo, de la aplicación de la pintura, de la exploración de las tonalidades monocromáticas interrumpidas por pincelazos de color y halos de luz. El considerar sus obras como ejercicios de abstracción y composición, efectos pictóricos y de textura, ofrece un complemento significativo a esta discusión. Es su virtuosidad técnica lo que distingue su obra de las mundanas, aunque imaginativas, perspectivas desde lo alto…

Carlos Estéves
Comisario: Andrés Issac Santana
01/Octubre al 20/Noviembre

El hacedor

Carlos Estévez es un hacedor de metáforas, un relator de experiencias esenciales, un arqueólogo del alma, un alquimista que hace trasmutar el estado bruto de la materia en instante de poética. Su obra es, por tanto, un ejercicio de escritura, una desviación narrativa de la hermenéutica y sus usos culturales, un modo de articular profusas constelaciones que se solapan y colapsan en un palimpsesto enfático en el que se descubren las huellas del hombre en la urdimbre simbólica del universo y el cosmos.Estas láminas del Yo, del ser expandido que no reconoce para sí la tiranía de un único modelo de virtud, son convertidas entonces en una especie de tratado ontológico, en una suma de fragmentos que orquestan el coro de una subjetividad esculpida desde la pasión y no así desde el régimen de la razón que parece regir la lógica de la existencia. Lo racional aquí se repliega, negocia su más rancia hegemonía y se supedita a una emotividad que trenza el tejido axiológico de la obra. Mientras los dispositivos retóricos de la Modernidad rindieron tributo a la razón y a la noción de progreso, basados en la idea de un modelo estéril que recortó los límites del hombre y del mundo; el trabajo de Carlos, por el contrario, sustantiva la erótica de un culto sofisticado y sutil al universo espiritual del hombre. Sus visiones, entre telúricas y místicas, disecciona el cuerpo en tanto arquitectura de la rigidez y del espasmo, reconstruyen sus fragmentos sujetos a la dispersión, a la pérdida y dislocan el abecedario de la razón instrumental para inaugurar –entonces- otras identidades, otros modelos inéditos de la existencia que, acaso, puedan resultar más cercanos a la realidad misma. Modelos que –con mucho- escapan del escepticismos y la esterilidad del orden de lo real para hundir sus raíces en el reino de la utopía. Sus obras señalan a un hombre que es a la vez cosmos y Dios, totalidad y fragmento, voz y escritura. Toda ella cifra el relato de una comunión indeleble de profunda introspección y espiritualidad. Susceptible de ser entendidas como variantes de una práctica antropológica y mística, estas láminas actúan desde los márgenes ecuménicos de múltiples cosmogonías. De ahí su apariencia de escritura cifrada y hermética, de mapa simbólico que marca sus propios trayectos hacia la emancipación y lo trascendental. La obra es convertida en plegaria, en proposición votiva donde se ausculta la dimensión ambivalente de la condición humana. Los opuestos se diluyen, se colapsan sus márgenes, se hacen explotar sus perímetros en un ejercicio de aniquilación al tiempo mismo que de restitución. El agnosticismo, la cabalística, lo esotérico, la magia, las disquisiciones sobre la existencia de Dios, los textos canónicos, el saber enciclopédico y el sincretismo de mitologías y visiones que se aposentan en el tejido de la historia, se amalgaman en una obra que reflexiona sobre el mundo de los objetos y de la cultura a través del prisma de una espiritualidad delicada y de un eclecticismo narrativo dibujado sobre un paisaje simbólico de claras resonancias poéticas. Cada pieza abre un interrogante que pretende buscar respuestas (posibles) sobre las experiencias cognoscitivas del sujeto y su relación con la historia. Tal y como afirma el propio artista “ pienso que las obras trascienden a las palabras y los actos; son un esfuerzo supremo del hombre por conquistar el universo que es él mismo, para lo que se requiere constancia pues las obras son marcas que te mantienen vivo y te ayudan un poco – y sólo algunas veces- a presentir cómo es Dios”.

Andrés Isaac Santana

Khaled Hafez
Comisaria: Dermis P. León (Buró Curatorial)
11 de febrero al 5 de marzo 2010.

En su primera exposición personal en España, el artista egipcio Khaled Hafez, presenta parte de una obra compleja que se desarrolla dentro del ámbito de la pintura, el video y la instalación como medios que se interrelacionan en su trabajo. En esta oportunidad, tres pinturas de la última serie “Temple of Flight”  de finales del 2009, el video Third Vision: Around 01:00 pm (2008) y una instalación que realizará especialmente para el espacio de la Galería Luz & Suárez del Villar, junto a un conjunto de dibujos, permitirán el acercamiento a la obra de uno de los artistas contemporáneos egipcios más versátiles y potentes de la nueva generación. El proyecto “Gods and Superheroes” (Dioses y Superhéroes) hace referencia precisamente a dioses y héroes en relaciones de superposición. En una suerte de actualización de candentes problemas del Medio Oriente, las figuras de dioses y “héroes” asumen nuevos roles –en el que se invierten incluso las posiciones jerárquicas- y trazan significados sutiles de carácter político, religioso y social. Khaled Hafez ha creado una iconografía propia a partir de referentes de la tradición pictórica milenaria de Egipto, de sus antiguos dioses y de la narrativa que se encuentra en las paredes de las tumbas de Tebas, en simbiosis con héroes, e íconos de la cultura de consumo que ha impactado la visualidad y el modo de vida egipcio con la globalización. Identificamos la divinidad Sekmet con la máscara de la leona, dios-a de la guerra que predomina en el Medio Oriente- en este caso como entidad femenina con poder (en conflicto con el islamismo cuya posición de la mujer es inferior); los “runners” (corredores) como símbolo del éxodo masivo sostenido en la región por los últimos siglos, éxodo de la población y de su intelectualidad; y por último nuevos “pictogramas” inventados  claramente a partir de armamento militar u otros tomados de la actualidad política. Claves para entender los referentes visuales en un contexto pictórico que utiliza conscientemente la estética propia de los petroglifos y pictogramas bidimensionales del antiguo Egipto, y no las reglas de la pintura post-renacentista de la forma, la composición, la sombra, la luz y la perspectiva.

Dermis P. León